Los artistas ayudan a crear, cementar,
estructurar el sentido de identidad nacional
El arte es un fenómeno cultural esencial
para la condición humana de la gente
Entrevista al pintor Dumas Oroño

Luego de muchos años sin exponer su creación artística, el pintor Dumas Oroño da a conocer una muestra retrospectiva de sus distintos periodos de elaboración creativa en materiales diversos. Este alumno de Torres García, con una fecunda producción que él define como "una contradicción en la continuidad, dialogó con La ONDA digital sobre su obra y el papel del arte como un fenómeno de comunicación.

- ¿Qué carácter va a tener su exposición?
- Hace años que no exponía por lo que la exposición va ser algo retrospectiva, además son también los criterios sugeridos por los curadores de la exposición.

Creo que es un acierto porque durante todo el periodo que no expuse ha habido variaciones en mi trabajo, además mi trabajo ha sido por periodos, que en algunos casos es el retomar de cosas que he hecho antes, en resumen creo que puede dar una visión bastante cercana a todo en lo que trabaje.

Se podrá ver pintura, otro tipo de materiales: esculturas, elementos espaciales, diseños de joyas, hay fotos y otros materiales que he realizado junto a la arquitectura, que ha sido muy variada, ya que hubo un periodo en que trabajé para la arquitectura integrando las artes a ella.

- Se ha escrito que su obra es una contradicción en la continuidad,
¿es así?
 - Este es un concepto que surge en una oportunidad donde hablando de la tradición del arte y particularmente de Torres García, expresé que la historia del arte significa o es una tradición que se hace (por consecuencia tiene una unidad) que se hace por negaciones sucesivas.

Se puede ver este fenómeno cuando nace el arte moderno, en la visión de la pintura de Goya y Velásquez o se puede explicar de otra manera observando el invento del Renacimiento la perspectiva que niega la manera de expresar el espacio que tenían en la edad media y que a su vez este enfoque perspectivo del Renacimiento es retomado por algunos pintores modernos como es el caso de Paul Klee o como Torres que le dan una vuelta de "tuerca". Hay una continuidad, que a la vez niega ciertos aspectos.

Esta interpretación que realizo y que también creo realizaba Torres García, también se refleja en mi pintura. Yo hice un tipo de pintura hasta un cierto momento, que por necesidades expresivas, que particularmente después de la dictadura se me cambio, son una continuidad, ya que es un arte construido, armónico, pero que niega de alguna manera procedimientos anteriores.

- Si hablamos en términos de lenguaje ¿hay dos lenguajes en Oroño?
- Sí, y a la vez yo me siento el mismo. Estuve en el taller de Torres, ciento lo mismo que cuando estaban allí, construyendo, armonizando, manejando los elementos del lenguaje plástico, conmutaciones en función de las necesidades expresivas.

- El lenguaje en un pintor no es en función del espectador sino de las necesidades subjetivas del pintor.
- Si, las motivaciones en un pintor pueden ser muchas y muy variadas, pueden ser motivaciones ópticas y necesita articularlas o ponerlas en el plano de la tela en sus relaciones armónicas. Pero también puede ser una necesidad interna que responde a otro tipo de vivencias. Luego se encuentra el material adecuado, la forma de articularlo y se concreta en obra.

- Quienes vienen estudiando el proceso del arte, afirman que en este momento es un concepto particularmente difícil de definir.
¿Coincide usted con esta interpretación? - Si, coincido con esta apreciación. La pintura que es lo que realizo, como puede ser la poesía o otras creaciones literarias, es un lenguaje, el lenguaje de la pintura no se hace de palabras, se hace de una serie de elementos que son las armonías de color, las articulaciones formales, los materiales con que uno se expresa o trabaja.

Con estos elementos se construye la obra. El artista tiene que manejar su lenguaje, tiene que saber, tiene que haber visto lo más que pueda, tiene que tener un conocimiento profundo de su lenguaje a través de lo que revisó de la historia del arte, a través de que vio mucho, para luego hacer el arte con lo que no se sabe. ¿Esto que quiere decir?, quiere decir, que no cualquier cosa vale.

¿Que quiere decir saber mucho para hacer arte con lo que no se sabe?
Es lo mismo que nos puede pasar desde el punto de vista biológico, cuando alguien no recibe proteínas su desarrollo mental expresivo se reduce considerablemente. Si esto pasa en un plano físico, para un artista cuanto más ha recibido elementos intelectuales, vivénciales para su desarrollo, más elementos tendrá para su imaginación y su inconsciente.

- Esta propuesta nos lleva a que el artista plástico, el pintor necesariamente, necesita un desarrollo cultural e intelectual
Si, en lo posible un desarrollo intelectual, esencialmente lo que necesita es conocer su lenguaje, si conoce otras artes mejor, cuanto más se "alimente", mejor.

- Esto nos lleva a reafirmar que la pintura se puede aprender...
- Sí, es lo que dice Torres, hay una parte que se puede aprender, y otra que no, hay otra que se puede aprehender en el sentido de agarrar. Se puede aprender porque un maestro le enseña un tramo, otras cosas se aprenden, porque se sintió el perfume de lo que es la pintura, y luego se elaboró la obra.

Se puede tomar un pintor como Van Gogh, que es una explosión sensible. Cuando pintó Los comedores de papa" no era Van Gogh, luego fue a Paris vio, estuvo con los Impresionistas y pintó cosas muy preciosas que están en el museo de Amsterdam. No es que le hayan dado clases a Van Gogh,, sino que él recogió una serie de elementos que se discutían, se manejaban en ese medio.

- ¿El arte se crea para satisfacer?
- El arte es un lenguaje, en consecuencia, es comunicación, antes que nada es una necesidad expresiva, en la condición humana está la necesidad de la comunicación. Para el artista a veces es una satisfacción y a veces es una angustia.

- Usted valora y jerarquiza las propuestas de Torres.
- Recojo de la enseñanza de Torres concebir la historia del arte como una tradición. Otro elemento que nos dejó de su enseñanza es una ética del pintor, es decir: yo y otros de su taller hemos estado al margen del mercado. La actitud del artista de manejarse por encima de presiones, expresar libremente lo que piensa que tiene que hacer. Cueste lo que cueste. El arte debe de estar integrado a todo, a la arquitectura, a los objetos. Por ejemplo yo he hecho todo una línea de calabazas gravadas, de objetos de mesas, de joyas. El arte desparramado en objetos que integran la vida colectiva de la gente, esto también es la tradición de toda la expresión artística del Hombre.

No construyo los cuadros como lo construía Torres, trabajo de otra manera. Pero que el arte tiene que ser construido, que tiene que ser un lenguaje, que se tienen que manejar valores plásticos esto es una enseñanza de Torres. Esto a su vez se puede descubrir en las distintas maneras de expresar en la historia del arte.

- ¿Hay contradicción entre esa propuesta de Torres y lo que hizo y propone Picasso?
- Sí la hay, también hay contradicción entre las mismas cosas que hizo Torres.

- Filosóficamente, tenían pensamientos distintos
- Totalmente distintos y está expresado en ambas pinturas.

- ¿Usted se identifica más con Torres?
- Yo me identifico con Torres como maestro, lo que no tiene nada que ver con la apreciación que se pueda hacer sobre las obras de cada uno.

Son temperamentos muy distintos el de Torres y el de Picasso Sus obras son muy distintas. Uno frente al Guernica no puede decir otra cosa que es una obra maestra.

El Guernica es una gran pintura, que tiene que ver con un hecho trágico y espantoso como es arrojar una bomba a una pequeña ciudad. A su vez es una obra de arte de una dimensión colosal.

El Guernica tiene un gran valor por el dominio del lenguaje, por su carga expresiva, tiene una altísima significación política. A Torres jamás se le ocurriría hacer una obra que tuviera contenido de denuncia. El se manejaba en otro plano.

Klee que estuvo en la guerra tampoco pintó nada que tuviera que ver con la guerra. Yo he pintado cuadros que son conmociones que me han sacudido la vida y otros que son al revés muy tranquilos, de cosas que yo miraba, contemplaba, nada más.

La ética de un pintor es que tiene que ser fiel a sí mismo, a lo que tiene que decir, al margen de los premios del mercado, de los concursos.

- ¿Pero hay una relación entre un comportamiento así y el contenido de la obra de arte en sí mismo?
- Sí, y también lo que se puede encontrar es contradicción entre los artistas y su condición de persona. Hay buenos artistas que son malas personas.

- ¿Cómo define el primero y el segundo periodo de su pintura?
- Tengo un largo periodo que es: pintura en la "luz", que tiene que ver con la "realidad" o que tiene que ver con la "realidad en una transcripción más abstracta". Tengo retratos, lo que llamo pintura del "taller" y "figuras pintadas en la luz" pintadas con un criterio plástico. Los "carritos", estos que inundan nuestros ojos por la ciudad.

Tengo otro tipo de paisaje pintado, se trata del de San José, Pinturas "constructivas" que tienen que ver con los "objetos en la arquitectura", a partir de allí hay una serie de pinturas que yo llamé " tierras de la memoria " que tienen que ver con mi infancia en Tacuarembó y con todo un periodo que se inicia en el año '68 donde ocurrieron cosas graves en este país y mías personales. Son pequeños cuadros que los trabajé con materiales conjugando armonías cromáticas, también utilice relieves.

Realicé una serie llamada "antipinturas" son llamadas así porque generalmente uno cuando pinta, descompone la realidad y coloca un tono con otro, y recupera una imagen que se puede llegar a ver como real en la superficie de la tela. En estos cuadros se rompe en forma radical con esto. El cuadro es un vacío, son casi todos blancos, o en algunos solo hay zonas de colores, es un vacío en que hay una línea, un horizonte o un hilo, un movimiento rítmico de una línea que sugiere una figura una forma de un helicóptero u otra cosa. Se llaman "antipinturas" porque para mí no son pinturas como las anteriores en las que había trabajado.

La exposición tiene mucho de estos cuadros. En realidad hay como seis periodos de mi pintura en esta muestra.

- Una constante en sus cuadros son las figuras humanas...
- Sí, trazas de hombres, u otras cosas que sugieren que el hombre tuvo. En algunos casos hay una escalera que señala que el hombre estuvo pero no esta.

- ¿Cómo son las oportunidades para un pintor en Uruguay?
- Este es un país que tiene una gran riqueza de poetas y de artistas, ahora algo ha cambiado. Pero hay un grupo de pinturas muy valiosos.

Pero en otro plano si a fenómenos como los de Carlevaro en la música, no se le da la oportunidad, la resonancia que tienen, ¿qué se puede esperar?

El país tiene que creer en los artistas, poetas, pintores que tiene. El Estado, el gobierno tienen que creer en estos creadores.

Lo que ellos hacen ayuda a crear, cementar, a estructurar el sentido de identidad nacional. Que nuestra gente se mire en lo que tiene. Así como en el momento en que fuimos campeones de fútbol lo hicimos en los jugadores de fútbol. Pero muy pocas veces en los creadores de arte. Estamos en un momento donde todo este fenómeno se ha acentuado.

Tendríamos que observar más como los centros hegemónicos promueven, nacional e internacionalmente sus creadores, sus valores ( en algunos casos hasta con valores menores) y lo que estamos haciendo nosotros, los países subdesarrollados.

A nuestro Torres se lo conoce afuera esencialmente por el esfuerzo de sus hijos y la fundación de Torres que están exponiendo sus trabajos desde 1955, primero en Paris, Nueva York.

Pero hay nuevos fenómenos en el mundo que asimilados críticamente son maravillosos, porque una cosa es tener un museo en nuestra casa, lo que puede dar una dimensión importante, pero otra cosa es lograr poder dar a conocer o comunicarlo por los nuevos fenómenos e instrumentos.

Si se tiene un sentimiento que el arte enriquece a la gente y que le debe llegar a la gente, el artista, el creador tiene que pintar el arte que solo usted y solamente usted piensa que tiene que hacer. Tiene que ser fiel consigo mismo. Yo he tratado de arrimarle a la gente el arte dando clase en secundaria, a la vez promoví el museo de San José, con biblioteca de arte, un Taller de artes Plásticas. Luego repetí esto en la Ciudad de Las Piedras, con murales dentro y fuera del Liceo.

Aquí en Montevideo ayudo a la comisión del Museo Blanes y sus actividades barriales culturales. Durante la dictadura desde la Asociación Cristiana de Jóvenes organizamos decenas de exposiciones y cursos. Esto no tiene nada que ver con hacer un arte populista. Pero creo que es importante acercar el arte a la gente. El arte es un fenómeno cultural esencial para la condición humana de la gente.

Esta forma de ser ha ocupado gran parte de mi vida.

- Oroño ¿usted nació en Tacuarembo en 1921?
- Efectivamente

- ¿Es coterráneo de Gardel?
- Es un honor para mi ser coterráneo de Gardel. Pero también soy coterráneo de una serie de músicos, poetas, escritores, todos artistas valiosos.

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