La adicción a lo inmediato los hace obsoletos de inmediato

¿El arte contemporáneo se puede hablar de estética?
-El arte contemporáneo es un estilo. Su característica principal es la inmediatez, lo actual como tema, por eso la importancia de las obras efímeras, son trabajos realizados para el momento de la exposición del performance, de la bienal, no están pesados para trascender. Es un estilo acaparador y de bajo nivel, hacen todo: video, ruidos, instalaciones, performance y en lo que incursionan lo hacen con baja calidad, porque el discurso está por encima de la obra, las palabras son las que dan sentido a la pieza, entonces es irrelevante la calidad del trabajo. La estética que este arte VIP video-instalación-performance es la del momento, no es creación, es imitación, toma las expresiones de la cultura popular, de la sociedad de consumo, de la publicidad, su estética es un hibrido sin sello propio, es una amalgama de lo que está de moda. Esta adicción a lo inmediato los hace obsoletos de inmediato, nada más efímero que la moda y el consumo, las obras caducan aun dentro del museo. Es la expresión consumista por excelencia.

– ¿En qué momento usted piensa que el papel del crítico, el curador, el museo y galerías, cotiza la obra?
-Ellos son el respaldo de la pieza. El curador le otorga sentido y significado. La incluye en sus exposiciones, y en el museo que es una institución que presta su prestigio social a la obra para definirla como algo que merece ser estudiado, expuesto y resguardado. El nombre del museo se suma como valor agregado a la obra. El galerista le da una cotización económica, lo que convierte en arte a la pieza, lo que esto sea: una pastilla de jabón, unas prendas usadas. Si tiene precio y se vende existe como obra. Este precio muchas veces está impuesto, es decir, carece de una relación precio calidad y no está sujeto a las leyes de oferta y demanda.

– ¿Quién ejemplifica el modelo ideal de un artista y quién no, por qué?
– El artista es el que crea algo que no existía antes de que él decidiera darle presencia. Para lograrlo aprende técnicas para usar las herramientas de las que dispone, inventa un lenguaje y un estilo que le permitan expresarse con libertad. Los falsos artistas carecen de capacidad creadora, o mandan hacer sus obras o las hacen de forma deficiente. Koons declara que no sabe ni hacer un boceto, pero que contrata a los mejores para que hagan sus piezas, tienen un staff que decide también qué obras van a lanzar, es como una agencia de publicidad. Hay el lugar común de comparar esto con los talleres de Renacimiento o con el de Rubens, la gran diferencia es que Leonardo, Rafael, podían hacer sus obras, establecían talleres porque necesitaban apoyo por las dimensiones del trabajo y porque eran los lugares para recibir educación artística. La gran mayoría de los artistas más cotizados son firmas, no son creadores, son factorías de lujo que etiquetan objetos.

– Cuando pasa la ruptura del arte tradicional al estilo contemporáneo, cambia no solo la forma de pensar, sino también la manera de percibir una obra de arte, entonces ¿cómo debería de haber sido ese cambio en la historia del arte? ¿Qué ruta debió y debe seguir?
– Esa afirmación es un mito. Los mitos sobreviven por la falta de análisis. Son equivocados los términos arte tradicional y arte contemporáneo. Las artes plásticas están en la experimentación constante y sus preocupaciones son contemporáneas y sus creadores están ahora mismo trabajando en su obra.

El término contemporáneo es una usurpación y está manipulado para reunir obras que carecen de trascendencia, que están sujetas a los discursos por su factura deficiente y que son adictas a la moda. Con cien años cumplidos tendrían que ser también tradicionales. La segunda afirmación equivocada: decir que fue un rompimiento y que cambió la forma de percibir la obra.

Que naciera un estilo no significa que haya existido un rompimiento; lo que sucedió es que un grupo se auto nombro “artistas” porque plantearon que si sus obras tenían un soporte teórico no necesitaban creación. Nació una corriente intelectual que desdeñó a la creación, al trabajo artístico y se refugió en la retórica. La forma en que percibimos no ha cambiado, lo que se impuso es una serie de ideas dogmáticas que niegan lo visible para dar prevalencia a las palabras, a un significado especulativo apegado a consignas no a ideas.

Lo que vemos no cambia, la percepción es la misma: es un urinario de cabeza, se impuso que negáramos nuestra realidad y asumiéramos una realidad artificial creada por el lenguaje. El arte tiene su ruta en la creación, en el trabajo de los artistas que siguen experimentado en su obra. El arte VIP es un callejón sin salida, es obsoleto porque no puede ser trascendente.

– ¿Cuándo cree usted que la realidad se puede convertir en arte, con respecto a movimientos como el Dadaísmo y el arte pop?
– La realidad siempre ha estado presente en el arte. Las cuevas de Altamira es la realidad del individuo de esa época.

La naturaleza muerta, la figura humana son realidad. Las pinturas eróticas de Coubert , el Origen del mundo, es cruda realidad. Es un mito creer que un readymade es llevar la realidad al arte. Lo que hicieron en el Dadaísmo y el arte pop fue someterse al objeto industrial, a consumir lo que el momento ofrece y significarlo con falsas intenciones humanistas o sociales. El artista analiza, reinterpreta y reinventa a la realidad: las trincheras de Foujita son reales y únicamente existen como tales en sus lienzos porque es la visión de un artista, su inmersión en la realidad para darle el sentido que él desea y esto sólo se logra con la creación. Es delirante pensar que llevar un objeto al museo, es realidad dentro del museo, o afirmar que un recorte de periódico es poesía hecha con la realidad. Ya es tiempo de que se derriben esos dogmas.

Entrevista a Avelina Lesper
(Critica de Arte Mexicana)
Realizada por Faradiva Monsalve, en Medellín Colombia.

La ONDA digital 670

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